Verdi e outro Filipe da Espanha

O rei Filipe II começou essa lenda negra que parece ter-se estendido a outros monarcas homónimos do trono espanhol. Imos aproveitá-lo para falar hoje do personagem que criou Verdi numa das suas óperas mais maravilhosas: Don Carlo. Foi estreada originariamente em francês, em 1867, com libreto de Camille du Locle e de Joseph Méry inspirado no drama de Schiller Don Karlos, Infant von Spanien (1787). No entanto, seria uma ópera revisada várias vezes e traduzida também ao italiano, língua em que se costuma interpretar com mais frequência.

O Filipe verdiano é um monarca sem misericórdia, que não tolera a mínima discrepância e que se submete ao ditado das autoridades religiosas, pois ao remate duma conversa com o Inquisidor mesmo afirma: “Dunque il trono piegar dovrà sempre all’altare!” [Portanto o trono deverá-se sujeitar sempre ao altar]. Este magnífico duelo de baixos entre dous personagens escuros é uma auténtica jóia. Eis uma mostra, com o mítico Nicolai Ghiaurov no rol principal e Ferruccio Furlanetto no do Inquisidor:

Outro magnífico momento é o duo com o Rodrigo, Marquês de Posa, um defensor da causa flamenga, que o rei consegue por um tempo atrair ao seu bando para enfrear as pretensões do seu filho Carlo, grande amigo do marquês. Prometo voltar a este personagem noutro post, pois o seu intensíssimo e emocionante duo com o infante Carlo merece um tratamento especial. Agora proponho esta interpretação de Simon Estes (Filippo) e de Renato Bruson (Rodrigo):

Finalmente, chegamos ao grande momento deste personagem, que é quiçá uma das mais formosas árias de baixo: “Ella giammai m’amò… Dormirò sol nel manto mio regal”. O rei lamenta-se de não ser amado pola sua esposa, Isabel de Valois, quem continua namorada do seu filho Carlo fruto dum encontro anterior ao matrimónio acordado com o rei. Mostra a sua frustração por ele, o omnipotente rei, não ser capaz de conhecer o que passa no coração dos seus súbditos. Seleccionei esta versão de concerto do mítico Cesare Siepi.

Havemos regressar a este título…

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Kiri Te Kanawa

Poucos dias atrás, a soprano neozelandesa Kiri Te Kanawa anunciou a sua reforma definitiva após cinco décadas de brilhante carreira, que começara como cantora pop, género que abandonou assim que foi cativada polo canto lírico. De facto, é uma pessoa crítica com os denominados talent shows. Acha que é preciso um amplo período de estudo prévio, pois a exigência de produzir som cada noite precisa da construção duma boa musculatura que permita que as cordas vocais estejam ativas.

Abrangeu um extenso repertório ao longo da sua carreira, desde o Barroco até a música contemporânea. Figemos uma breve seleção de vídeos com algumas das suas interpretações mais celebradas.

“Dove sono i miei momenti” é uma ária que canta a Condessa em Le nozze di Figaro de Mozart, onde acha de menos aquel tempo em que se sentia amada polo seu marido. Lamento não poder oferecer uma versão de teatro, pois sou pouco adepto deste tipo de filmes.

Giuseppe Verdi tem um papel importantíssimo na sua carreira, escolhemos o “Ave Maria” que canta a Desdemona no Otello.

Te Kanawa foi uma das cantoras que gravou a banda sonora de West Side Story, cuja música foi composta por Leonard Bernstein. Neste vídeo aparece com o próprio compositor e com Josep Carreras.

Concluímos com “Im Abendrot” [No sol-pôr/arrebol], o último dos Vier letzte Lieder [Quatro últimas canções] de Richard Strauss, que nesta ocasião interpreta com a BBC Philharmonik Orchestra dirigida por Georg Solti.

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Franco Corelli e o tenor spinto

Franco Corelli (Ancona, 1921 – Milão, 2003) é um dos mais notáveis exemplos de tenor spinto. Trata-se dum tipo vocal entre um tenor lírico (próprio de personagens como o Tamino de Die Zauberflöte, o Alfredo de La Traviata ou o Marcello de La Bohème) e um dramático (caraterístico de heroes wagnerianos como o Tristão ou o Tannhäuser, pertencentes às óperas homónimas). O tenor spinto (do italiano “spingere”, que significa “empurrar”) foi fundamentalmente criado por Giuseppe Verdi, para o que escreveu personagens como o Riccardo, o Don Carlo ou o Manrico, apesar de termos algum precedente como o Pollione da Norma de Vincenzo Bellini.

Este tipo vocal não é particularmente abundante dentro dos tenores, de aí que seja frequente que determinadas produções recorram a tenores líricos para interpretarem estes personagens. Estas práticas costumam trazer dous problemas. O primeiro, normalmente um tenor lírico não tem a cor nem a robustez -especialmente no centro da voz- para interpretar estes personagens. A segunda dificuldade tem a ver com a saúde vocal do cantor, pois ao trabalhar num registo menos natural para a sua voz, submete-a a uma pressão que acaba provocando problemas no passar do tempo.

Corelli foi um tenor atípico, pois formou-se de maneira autodidata e viveu à margem da opinião da crítica, já que parte desta considerava que o seu estilo era próprio doutros tempos. Tinha exigências particulares, como comer antes de cada função um bife tártaro com abundante limão e alho cru. Conta-se que se negou a cantar na ópera de Paris porque não lhe colocaram o tapete vermelho no aeroporto Charles de Gaulle para recebê-lo.

Quanto às caraterísticas da sua voz, podemos sintetizá-las dizendo que é mui homogénea em toda a sua extensão, pois conserva a mesma robustez no grave, no centro e no agudo. Apesar de que, como já comentámos, o termo spinto signifique “empurrado” -devido ao caráter dramático destes personagens- Corelli não se vale do excesso de pressão de ar para obter este dramatismo nem para ser audível frente a uma densa orquestra de fundo. O equilíbrio entre a profundidade que dá à sua laringe e o uso dos diversos ressonadores é perfeito, resultando uma voz maciça, brilhante e potente. Estilisticamente, salientaria sua capacidade de declamar cada sílaba, e de jogar com as pausas, as respirações e os acentos.

Um clássico exemplo de tenor spinto é o Calaf de Turandot. A célebre ária “Nessum dorma” foi cantada por infinidade de tenores, não sempre aptos para este personagem. É certo que para apreciar bem as caraterísticas duma voz em particular é necessário escuitá-la num teatro, pois numa gravação não se pode valorizar completamente a sua sonoridade.

Já no começo da sua intervenção podemos observar como as palavras “nessum dorma” soam com a mesma cor quando as canta em registo central-agudo como quando as repete no grave, e a sua capacidade de acentuar com clareza as sílabas “ne” e “dor” sem desequilibrar a linha de canto é portentosa. Às vezes estes breves recitativos -aparentemente singelos- são os fragmentos mais difíceis de afrontar para um cantor ou cantora. Se observamos o seu pescoço, vemos que coloca a laringe continuamente para baixo, o qual dá uma grande profundidade à sua voz, sem descuidar o brilho que tem o som graças ao uso dos ressonadores da parte frontal da cabeça, o que se chama a máscara. O equilíbrio entre estas duas dimensões é sempre um grande desafio para qualquer cantor/a líric@.

Só resta escuitar o resto do vídeo e gozar com a música de Puccini e com a interpretação de Corelli.

Podes escuitar mais Corelli nesta lista de reprodução:

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E venha vinho!

O brinde é talvez uma das mais grandes mostras de alegria em grupo e o drama musical, enquanto terreno ótimo para a expressão de emoções, não podia estar isento delas.

O mais famoso de todos é com certeza o “Libiamo” do primeiro ato de La Traviata, ópera de que falámos anteriormente centrando-nos na sua personagem principal, Violetta Valery. Esta cena situa-se praticamente no começo da obra e nela conhecem-se os futuros amantes Violetta e Alfredo. Nesta versão, a cortesã está interpretada pola soprano eslovaca Lucia Popp (1939-1993) e o seu namorado polo tenor espanhol Plácido Domingo (1941). Popp brilhou com as suas interpretações da Rainha da Noite ou de Pamina de Die Zauberflöte e culminaria a sua carreira centrando-se em títulos de Wagner ou de Strauss.

A carreira -ainda ativa- de Domingo é difícil de resumir em poucas linhas. Trata-se de uma das grandes personalidades da história da interpretação operística. Trabalhou mais de cento vinte roles diferentes, sempre caracterizando-se por uma intensa entrega aos personagens interpretados e ao público. Isto provocou que conseguisse reconhecimentos incríveis como o da Ópera de Viena, em 1991, quando recebeu oitenta minutos de aplausos à conclusão do Otello verdiano.

Uma das óperas que se está a recuperar no Romantismo francês é o Hamlet de Ambroise Thomas. É curioso que algumas das melhores óperas francesas do XIX estejam baseadas em destacadas obras de outras literaturas, como o Faust e o Werther de Goethe, além deste Hamlet shakespeariano. Este brinde, “Le vin dissipe la tristesse”, não corresponde com um casal namorado, senão com um moço desiludido para quem só o vinho pode fazer que esqueça a brevidade da vida e as pesadas cargas que deve suportar. Interpreta o barítono americano Robert Merrill (1917-2004), possuidor de uma voz prodigiosa, que começou a sua carreira cantando em diversas cerimónias judias e seria o mítico diretor italiano, Arturo Toscanini, quem lhe daria as suas primeiras oportunidades em óperas como La Traviata ou Un ballo in maschera.

Para finalizar, deixamos aqui o brinde da ópera Marina, de Emilio Arrieta (1823-1884), uma das poucas em língua castelhana. O tenor canário Alfredo Kraus (1927-1999) mostra neste vídeo essa característica que não perdeu en nenhum momento da sua brilhante carreira: a elegancia.

Estes tres brindes têm um elemento em comum: a presença do coro. Lógico, quem quer brindar sem amizades diante?

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Violetta Valery

A ópera nasce a princípios do século XVII fruto do interesse duns intelectuais italianos ligados a um grupo chamado Camerata Bardi. Sabiam que os dramas da Grécia clássica se representavam cantados, e trabalhárom por encontrar uma fórmula que lhes permitisse recuperar o género. O mito de Orfeu foi o predileto para levar à cena musical, como figêrom Jacopo Peri, Giulio Caccini e, sobretudo, Claudio Monteverdi. Durante quase dous séculos a ópera vai-se surtir fundamentalmente de temas mitológicos até a chegada do Romantismo quando se incorporam também histórias procedentes de diversos períodos do passado.

Giuseppe Verdi era uma pessoa comprometida com o ser humano do seu tempo, além duma figura de grande carga simbólica no processo de unificação da Itália. Isto provocou-lhe não poucos problemas com a censura. Em Un ballo in maschera tivo de substituir a figura dum rei por um governador pois considerava-se inaceitável levar um regicídio ao palco. Em Rigoletto o vicioso rei de Victor Hugo passou a ser um duque, assunto do qual já falámos anteriormente.

O libreto de Francesco Maria Piave recolhe o fundamental de A dama das camélias de Alexandre Dumas, isto é, uma história contemporânea duma prostituta de alta sociedade que morre sozinha e abandonada por causa da hipocrisia da época. E esta alta sociedade foi a que assistiu à primeira representação de La Traviata no teatro La Fenice de Veneza em 6 de março de 1853. A estreia foi um autêntico insucesso, talvez por uma conjunção de maus intérpretes e dum tema que retratava algumas das misérias da sociedade do momento.

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Cinco momentos que che farão adorar Rigoletto

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Rigoletto (1851) é uma das óperas mais populares de Giuseppe Verdi (1813-1901). Constitui a primeira obra da chamada trilogia verdiana, que se completa com Il TrovatoreLa Traviata, ambas de 1853. Esta denominação não se deve a que exista algum tipo de conexão entre elas senão a pouca diferença de tempo entre as suas estreias e a que representam o começo da etapa de madurez do génio de Roncole.

Rigoletto está baseada na obra teatral de Victor Hugo Le roi s’amuse [O rei divirte-se] (1832) com a que o autor queria denunciar a corrupção na corte de Luís XII (1462-1515) por meio da boca do bufão Triboulet, personagem documentado historicamente.

A censura impediu-lhe a Verdi que se focasse a corrupção na figura dum rei -ao igual que em Un ballo in maschera– rebaixando-a até um duque, neste caso, o Duque de Mantova. O bufão, que se chama agora Rigoletto, é um pai viúvo extremadamente protetor com a sua filha Gilda quem acabará morrendo vítima duma maldição que outro pai afrontado lança contra os viciosos cortesãos mas que apenas o bufão assume.

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