José Baldomir e Rosalia de Castro: “Maio Longo”

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Este ano cumprem-se setenta da morte do compositor corunhês José Baldomir (1865-1947). É uma das figuras mais relevantes da canção lírica ou canção de concerto galega. O seu estilo enquadra-se dentro das correntes nacionalistas que surgírom na Europa do XIX como reação ao domínio germânico, e na Galiza temos outr@s músic@s salientáveis como Marcial del Adalid, Eugénia Osterberger ou Juan Montes (autor da célebre “Negra sombra”). A produção dest@s autor@s é relevante não só devido à sua qualidade senão também ao facto de que a canção galega se desenvolvesse de maneira simultânea à de outros territórios como a França, a Chéquia ou os países escandinavos, pois os autor@s mencionados são contemporâne@s dos Debussy, Ravel, Fauré, Dvořák ou Grieg.

“Maio longo” apresenta a caraterística estrutura de lied tripartito, com uma secção em fá maior, que corresponde com a primeira estrofe, uma segunda em lá maior mais uma volta à primeira. Como podemos comprovar seguindo o texto, Baldomir realiza uma repetição que não está presente no texto original, com o que multiplica o valor do texto da primeira estrofe.

          Maio longo… Maio longo,
          todo cuberto de rosas,
          para algús telas de morte,
          para outros telas de vodas.

          Maio longo, Maio longo,
          fuches curto para min,
          veu contigo a miña dicha,
          volveu contigo a fuxir.

Baldomir tinha uma clara predileção por Rosalia de Castro, de facto, para além deste “Maio longo”, musicou também “A un batido”, “Eu levo unha pena”, “Cava lixeiro”, “Mais ve…”, “No ceo, azul clarísimo”, “Por que?”, “Quérome ire”, “Tal com’as nubes” e “Ti onte mañán eu”. Nos próximos meses vai ser publicada polo Conselho da Cultura Galega uma reedição das canções de Baldomir feita por Margarita Viso, que confiamos sirva para divulgar esta produção.

Ofereço esta versão, que realizei recentemente com o pianista Cándido Cabaleiro no ciclo de concertos “Explurart”, no Auditório Martim Códax de Vigo. Transportamos a peça à tonalidade de mi bemol maior, que encaixa melhor com o centro vocal dum barítono. Esta prática do transporte é habitual no lied ou canção de concerto, pois tem a finalidade de que este repertório poda ser interpretado por qualquer tipo de voz.

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Rusalka over the rainbow

Rusalka (1901) é a mais popular das dez óperas do compositor checo Antonín Dvořák (1841-1904). A sua obra enquadra-se dentro das estéticas nacionalistas que surgírom na segunda metade do XIX como reação contra a hegemonia da música alemã. Aliás, acho que de ter sido alemão ou austríaco a consideração da sua obra seria ainda mais elevada. Além das suas óperas, foi um brilhante cultivador de todos os géneros com o máximo nível de qualidade, como a música sacra (Requiem, Stabat Mater), a música de câmara, a canção de concerto e, sobretudo, a sinfonia. De facto, a sua obra mais interpretada é a última delas, a novena, conhecida como “Do novo mundo”, composta nos EUA e baseada no folclore deste pais. Aproveito para lembrar que este movimento musical nacionalista também se deu na Galiza graças a grandes compositores como Marcial del Adalid (1826-1881), Juan Montes (1840-1899) ou José Baldomir (1867-1947).

Antonín Dvořák era o filho dum carniceiro do pequeno lugar de Nelahozeves. A lógica intenção do pai era que continuasse com o negócio familiar e, para prosperar, como estavam baixo o domínio do império austro-húngaro, enviou-no a aulas privadas de alemão para que aprendesse esta língua. No entanto, resultou que o professor escolhido era também músico e, perante as dotes musicais do pequeno e o seu interesse em aprender música, foi esta disciplina a que realmente aprendeu sem o conhecimento do pai.

Na mitologia eslava, Rusalka é um espírito das águas que mora em rios ou em lagos em quem se baseou Jaroslav Kvapil para escrever o libreto da ópera. A personagem que intitula o drama costuma ser interpretada por uma soprano lírica ou spinto. A sua ária dedicada à lua é talvez o momento mais célebre desta obra. De facto, na sua melodia inspirou-se subtilmente o compositor Harold Arlen para o refrão da canção “Over the rainbow” pertencente ao filme The Wizard of Oz (1939) como podemos comprovar no minuto 1:25 desta versão. Continuando com a nossa linha de reivindicar grandes vozes do passado, propomos a soprano eslovaca Lucia Popp, especialmente reconhecida por papéis mozartianos mas também de outros autores como Richard Strauss. Nesta ligação podes seguir o texto original checo e uma tradução.

 

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De Fígaro a Fígaro

É frequente que, ao mencionar a ópera As bodas de Fígaro de Mozart a pessoa que tenho diante comece a repetir a célebre fórmula “figarofigarofigarofigaro…”. Trata-se do mesmo personagem? Sim, mas com matizes…

Em realidade é o mesmo Fígaro, que pertence à trilogia de Pierre de Beaumarchais composta polas obras Le Barbier de Séville (1775), La Folle Journée, ou le Mariage de Figaro (1784) e L’Autre Tartuffe, ou la Mère coupàble (1790). Em Le nozze di Figaro [As bodas de Fígaro] Mozart começa uma brilhante colaboração com o escritor italiano Lorenzo da Ponte, quem vai ser o autor do libretto desta ópera -baseado na segunda das obras de Beaumarchais- e depois de Don Giovanni e de Così fan tutte. O texto de Le nozze tivo de superar diversas dificuldades, pois foi proibido polo censor devido às críticas à aristocracia. Trás eliminar da Ponte um discurso de Fígaro crítico com os privilégios hereditáros da nobreza e modificar outros elementos, o imperador José II autorizou a sua representação no Burgtheater de Viena em 1 de maio de 1786. Não esqueçamos que Mozart era defensor dos princípios do pensamento iluminista.

Trinta anos depois vai ser Rossini quem ponha música a Le Barbier de Séville com o título Almaviva o sia l’inutile precauzione, que se popularizaria com o nome de Il barbiere di Siviglia. Não padeceu tanto os problemas da censura mas sim a resistência prévia do público, que considerava um sacrilégio que se atrevesse a fazer uma ópera com o mesmo argumento utilizado por Giovanni Paisiello em Il barbiere di Siviglia, ovvero la precauzione inutile, estreada em 1782.

Fígaro é um barbeiro de Sevilha que, no primeiro livro -o adaptado por Paisiello e por Rossini- ajuda o Conde Almaviva a obter a mão da Rosina, que vive sequestrada na casa do seu tutor e pretendente Bartolo. Na segunda parte o Conde torna em rival do Figaro pois pretende exercer o direito de pernada com a Susanna, a namorada do Barbeiro. A terceira parte não vai ser adatada até 1966, ano da representação de La mère coupable, com música de Darius Milhaud e libretto de Madeleine Milhaud.

A cavatina “Largo al factotum” é uma das peças mais célebres da história da ópera. O Fígaro rossiniano está concebido para um barítono lírico, isto é, com facilidade as agilidades e para ir com frequência ao agudo. No entanto, também é uma peça utilizada por barítonos de registo mais dramático -como vemos nesta gravação de Leo Nucci- para mostrarem as suas qualidades técnicas.

“Non più andrai farfallone amoroso” é uma ária que fecha o primeiro ato de As bodas de Fígaro. Talvez seja uma das melodias preferidas de Mozart, pois ele mesmo volve citá-la no finale de Don Giovanni junto com outros fragmentos de óperas populares na altura. Apesar de que na época de Mozart as vozes masculinas só se denominavam “tenor” e “baixo”, não todos os papeis mozartianos de baixo podem ser cantados por qualquer baixo nem os de tenor qualquer tenor. O tipo ótimo para Fígaro é o que hoje conhecemos por baixo-barítono, situado na fronteira dos dous registos e que seria potenciado a meados do XIX por Richard Wagner com personagens como Wotan ou Holländer. No entanto, esta vez vou escolher um baixo, um grandíssimo baixo como Cesare Siepi para ilustrar esta peça.

E imos concluir com mais excecionalidades: um mesmo barítono, Hermann Prey, que interpretou os dous papéis. Bom proveito!

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Hildegard von Bingen em Ramirás

Gozei imenso com O espello do mundo, o magnífico romance de Ramón Nicolás. Além das múltiplas virtudes do livro, devo confessar que a sua leitura foi especial para mim por dous motivos especiais: o passeio polo Ramirás medieval e a presença da figura de Hildegard von Bingen.

Ramón Nicolás é um filho do lugar de Escudeiros, criado em Vigo, como o sou eu de Vilherinho (Paiçás), mas criado em Ourense. Lembro que Escudeiros era um dos lugares por onde passávamos a caminho de São Gregório para comprarmos café, açúcar ou as tópicas toalhas. A-propósito, quando estava em São Gregório ou em Melgaço, não percebia a existência de fronteira linguística alguma, esse seria um conceito que aprenderia mais tarde de certos livros.

O romance está centrado numa fictícia superiora do Mosteiro de São Pedro, contemporânea de Hildegard von Bingen, a ona Guiomar, que mantém uma relação epistolar com a beneditina alemã. Apesar de tê-lo visitado antes várias vezes, não descobrim a importância deste mosteiro -e também do priorato de São Salvador de Paiçás- até o Bacharelato, quando tivera de fazer um trabalho de investigação do nosso património que nos encomendara o professor Xabier Límia. É pois nesta época dourada do Reino da Galiza -de que já falámos a respeito do Códice Calixtino- onde se localiza o romance.

Hildegard von Bingen (1098-1179) é uma multifacetada personagem que, enquanto compositora, escreveu fundamentalmente música monódica (que tem uma só voz) para interpretarem as monjas das sua comunidade. As suas melodias costumavam ser mais longas e ornamentadas do que a música dos seus contemporâneos. A sua produção musical reúne-se em dous volumes: o drama Ordo virtutum e uma coleção de cantos litúrgicos ou semi-litúrgicos chamada Symphonia armonie celestium revelationumOrdo virtutum é o único drama sacro medieval de cuja música e texto conhecemos a autoria. Dezoito cantoras representam as Virtudes e a sua Rainha, a Humildade, que devem lutar contra o Demo, personagem escrito para uma voz masculina que não canta, pois o mal só podia ser representado por berros desagradáveis ou por sons animais. Neste auto aparece também um coro masculino (os Profetas e os Patriarcas) e outro feminino (as Almas).

Deixo aqui um vídeo da peça completa e esta ligação para o texto originário latino e uma tradução ao inglês.

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